Ringkasan Singkat Tentang Musik Rock Jerman

Ringkasan Singkat Tentang Musik Rock Jerman – Pada 1960-an, Jerman hampir hilang dari peta musik rock, tetapi perkembangan musik psychedelic yang terlambat mengubah adegan Jerman secara dramatis. Ledakan musik rock Jerman bergantung pada sejumlah faktor pendukung. Ada latar belakang politik: Jerman adalah salah satu dari tiga negara (Perancis dan Italia yang lainnya) yang mengalami kerusuhan mahasiswa 1968 dalam skala besar.

Ringkasan Singkat Tentang Musik Rock Jerman

ssmt-reviews – Fenomena itu menciptakan kelas baru intelektual (sangat muda), dan mengilhami gerakan menuju kesadaran kolektif. Isu lingkungan, pasifis, dan anti-nuklir menjadi lebih relevan dan didiskusikan secara terbuka. Ini juga mengarah pada tindakan kelompok teroris Baader-Meinhof, yang mewujudkan kemarahan generasi itu.

Baca Juga : Panduan Musik Punk Rock: Sejarah dan Band Punk Rock

Avantgarde Darmstadt telah bereksperimen dengan musik elektronik sejak pertengahan 1950-an, dan komposer seperti Stockhausen mulai menciptakan sensasi bahkan di luar akademisi. Eksplorasi ruang angkasa pada waktu itu (berpuncak dengan pendaratan di bulan AS pada 1969) entah bagaimana bergabung dengan musik elektronik untuk menyediakan soundtrack futuristik pada zaman itu.

Akhirnya, kaum hippie datang ke Jerman sedikit lebih lambat daripada di AS, tetapi harus tinggal lebih lama. Ribuan orang Jerman telah mengambil rute timur dari Maroko ke India, dan kembali ke rumah pada pergantian dekade. Rolf Ulrich Kaiser adalah kritikus rock yang, de facto, menemukan sekolah Jerman. “Presentasi” dari band-band baru Jerman berlangsung pada tahun 1968 di festival rock besar pertama, di Essen. Pers Inggris menyebutnya “kraut rock”.

Pada dasarnya, rock Inggris mendaur ulang rock Amerika untuk audiens yang berbeda: The Beatles mendaur ulangnya untuk audiens yang berorientasi pop, rock progresif (dalam semua variasi neo-klasik dan jazz) mendaur ulangnya untuk audiens intelektual. Rock Jerman, sebaliknya, menemukan jenis musik rock yang berbeda. Faktanya, banyak band Jerman tidak memainkan musik “rock” sama sekali.

Tidak diragukan lagi bahwa era besar avant-rock Jerman diilhami oleh musik psikedelik, tetapi interpretasi Jerman tentang musik psikedelik tidak ada hubungannya dengan mereproduksi efek obat-obatan: musisi Jerman melihat hubungan antara eksperimen psikedelik dan avantgarde elektronik Jerman. (seperti Karlheinz Stockhausen), sebuah hubungan yang, dalam retrospeksi, sudah jelas dalam psychedelia Amerika, tetapi tidak ada yang mengartikulasikannya sebelumnya.

Pada tahun 1968 tiga musisi muda, Conrad Schnitzler, Hans-Joachim Roedelius dan Klaus Schulze, mendirikan “Zodiak Free Arts Lab” di Berlin. Ini menjadi tempat pertama untuk musik elektronik populer di Eropa. Itu dapat dianggap sebagai momen ketika musisi Jerman menemukan hubungan strategis antara musik psychedelic dan musik avantgarde. Tahun berikutnya, Can memulai debutnya, memainkan musik rock yang terinspirasi oleh avantgarde klasik dan jazz modern.

Pada tahun 1970 Kluster (Cluster) mulai merekam musik instrumental berbasis keyboard yang terinspirasi oleh masyarakat industri, dengan penekanan pada drone statis (prodrom musik industri dan ambient). 1971 adalah tahun ketika Tangerine Dream menemukan “musik kosmische”, menggunakan synthesizer dan sequencer, bukan gitar dan drum. Perjalanan” asam-batuan telah berubah menjadi “perjalanan” ke kosmos. Pada saat yang sama, Faust mulai merekam lagu-lagu yang, secara de facto, merupakan kolase studio musik rock, suara elektronik, dan kebisingan “konkret”.

1972 adalah tahun dimana musisi Jerman menjadi spiritual: Popol Vuh merilis In Den Gaerten Pharaos , direkam di dalam sebuah katedral, dan menggabungkan musik elektronik dan musik Timur (dengan demikian mendahului musik zaman baru); dan Deuter merilis Aum , perpaduan musik religi Timur dan Barat, instrumen akustik dan suara alam.

Itu juga tahun ketika kosmische musik menemukan format definitifnya: rangkaian elektronik yang panjang. Tangerine Dream’s Zeit , sebuah album ganda yang berisi empat side-long suite, dan Irrlicht milik Klaus Schulze , sebuah simfoni kosmik yang dimainkan dengan instrumen elektronik, adalah pola dasar yang akan disalin selama 30 tahun ke depan.

Penemuan besar Jerman yang terakhir juga terjadi pada tahun 1972: sebuah band bernama Neu! mulai memainkan musik berirama yang obsesif. Dampak penuh dari inovasi yang mendalam, multipel, dan kawin silang ini akan terasa hanya beberapa dekade kemudian, tetapi itu akan mengubah seluruh arti kata “musik”. Tidak ada gerakan atau aliran atau aliran lain dalam sejarah musik rock, selain rocker awal, yang mempengaruhi begitu banyak musisi selama beberapa dekade.

Tuan-tuan awal

Amon Duul II dan Can mewakili dua latar belakang budaya utama band-band Jerman: komune hippy dan avantgarde. Amon Duul 0 adalah trio free-jazz, dibentuk pada tahun 1966 di Munich oleh gitaris dan pemain biola Chris Karrer dan oleh drummer Christian Burchard. Amon Duul (tanpa nol) malah merupakan ekspresi musik dari sebuah komune yang mencakup seniman dan aktivis politik, dan khususnya Karrer. Versi awal Amon Duul ini mungkin merupakan kelompok yang paling dipolitisasi pada tahun 1968 di Jerman (tahun kerusuhan mahasiswa).

Sesi 48 jam, improvisasi menjelang akhir tahun, menghasilkan materi yang cukup untuk tiga album tribal dan chaos jams, terinspirasi konsep musik amatir yang diproklamirkan oleh pemimpin Ulrich Leopold. Hanya yang pertama, Psychedelic Underground (1969), yang disahkan oleh band. Menjelang akhir tahun 1968, Karrer memutuskan untuk meninggalkan komune dan memulai sebuah band rock, yang diberi nama Amon Duul II (21). Mereka mungkin yang paling “teutonik” di antara para master Jerman awal. Suara mereka “gothic” dalam arti kata yang paling otentik (paling tidak sensasional).

Akar budaya mereka, bukan pemanjaan diri mereka, membawa mereka ke atmosfer gothic. Judul lagu dari album debut mereka, Phallus Dei (1969), adalah bacchanal panjang, liar, kacau yang memadukan rock’n’roll, elektronik, disonansi, nyanyian psychedelic, blues jamming, perkusi Afrika. Mereka segera meninggalkan sikap yang paling menghujat dan provokatif, dan suara mereka lebih jelas mengungkapkan pengaruh rock-asam California. Bahasa musik mereka terus berkembang, segera menggabungkan lebih banyak instrumen dan beralih dari improvisasi ke komposisi.

Tiga suite multi-bagian yang membentuk sebagian besar Tanz Der Lemminge (1971), dan khususnya The Marilyn Monroe-Memorial-Church , tidak segelap atau apokaliptik, meskipun mereka mempertahankan tingkat kecemasan dan penyimpangan. Yeti (1970), mahakarya lain yang terkenal karena intensitas Wagner-ian dan karya monumentalnya, menemukan keseimbangan antara kebisingan dan harmoni, hard rock dan soft rock, gothic dan pastoral.

Amon Duul II telah menguasai perpaduan antara rock’n’roll, avantgarde dan musik dunia, menggunakan perpaduan tersebut untuk menulis perjalanan musik pasca-psikedelik yang panjang dan dinamis yang menemukan kembali bentuk fantasia klasik di zaman pasca-modernisme.

Lebih dari band lain, Can mengubah progressive-rock menjadi sains. Dengan menjembatani musik klasik, musik jazz, dan musik rock pada masanya, Can (23) menyelesaikan studi organik pertama tentang ritme dan tekstur dalam musik rock. Jam instrumental hipnotis dan glasial mereka mengangkangi batas antara free-jazz, acid-rock dan musik kamar.

Sambil mengejar pengalihan terpelajar dari musik santai Cage dan musik atonal Schoenberg, sambil bereksperimen dengan potensi instrumen yang dimanipulasi secara elektronik, sambil menyukai struktur yang tenang, terfragmentasi, longgar dan atmosfer yang menyeramkan dan mengancam, Can menjadi master dari bentuk elektro-akustik baru.

Dalam sekolah Jerman tahun 1970-an, Can adalah para pertapa. Setelah Film Monster(1969), sebuah kaleidoskop yang sebagian besar improvisasi dan bersemangat dari musik psikedelik yang terinspirasi Pink Floyd dan Velvet Underground, Can memasuki keributan labirin musik avantgarde dengan Tago Mago mereka yang monumental (1971), sebuah karya yang dibutakan oleh mistisisme Timur dan tenggelam dalam sebuah hutan teknik kolase dan efek suara (concerto disonan setan Halleluwah , perubahan mendadak dari Aumgn ).

Setelah Ege Bamyasi (1972) yang suram, yang mendahului nada-nada post-rock dan trip-hop yang lesu dan sedih, Can memberikan pukulan lain pada aturan harmoni dengan Future Days (1973), karya mereka yang paling psikologis. Skor instrumental seperti Bel Airadalah kisi-kisi suara yang padat, amorf, amuba, setara dengan musik fresko Monet, yang memetabolisme jazz, funk, rock, musik India, dan disonansi.

Canaxis 5 (1969), album solo pertama yang dirilis oleh Can’s Holger Czukay (11), menambahkan tonggak sejarah lain untuk karir mereka: perkawinan elektronik dan musik etnis, yaitu kelahiran musik dunia elektronik. Czukay akan mengeksplorasi tema ini dua dekade kemudian, ketika bintang pop David Sylvian membantu rangkaian panjang Plight And Premonition (1988) dan Flux And Mutability (1989), khususnya Plight .

Nyanyian Jerman Nico(113), yang bernyanyi dengan Velvet Underground di New York sebelum kembali ke Eropa, menemukan gaya bernyanyi yang tidak ada hubungannya dengan musik rock, gaya yang tidak dimiliki tempat dan waktu tertentu, gaya yang mungkin baik menjadi abad pertengahan atau romantis, India atau Timur Tengah, gaya yang terutama “pelafalan”, gaya yang terdengar bergantian seperti paduan suara Yunani, monolog Shakespeare, kebohongan Schubert-ian, mazmur Gregorian, lagu Elizabeth, nyanyian eksotis.

Litaninya yang lugubrious (yang menemukan batu gothic lebih karena kebetulan daripada karena desain) bergoyang di antara ratapan orang yang dikubur hidup-hidup dan doa megah seorang pendeta. Pementasan tangisan pemakaman ini mengutip dari alegori metafisik Goethe “Faust”, dari drama ekspresionis Wedekind “Lulu”, dari teater epik Brecht, dari sinema noir Prancis, dari lukisan surealis Dali. Dia mengangkangi garis antara aristokrat dan pelacur dengan keanggunan hantu.

Karya pertamanya, Marble Index (1968), memperkenalkan unsur-unsur gothic, archaic, eksotis dan neo-klasik ke dalam musik rock, tetapi itu tidak bisa jauh dari sensasional: Nico menyanyikan tentang trauma masa kecil, dalam cengkeraman kesepian yang menusuk, monoton. , lambat, terlalu lemah untuk melambung, terlalu lemah untuk menambahkan nilai emosional atau melodi pada liturginya yang tak bertuhan.

Dia bernyanyi, mungkin, tentang trauma masa kecil dari seluruh ras (terkutuk, terkutuk). Aransemen John Cale (tanpa perkusi, penekanan pada kibor), yang impresionisme halusnya mengubah setiap lagu menjadi sonata kamar, dan tampilan androgini Nico menambah kejutan.

Mahakarya keduanya, dan salah satu album terhebat sepanjang masa, Desert Shore(1971), melangkah lebih jauh, membangkitkan kehancuran alam semesta yang dingin dan kosong, seolah-olah setelah bencana besar. Dosis neurosis perkotaan yang lebih kuat semakin menekan suaranya, tetapi juga mengangkat nada perdukunan/ kenabian ke dimensi lain.

Rasa kuno menjadi lebih dari sekadar bau kematian: bau dunia lain. Suasana anemia, sekarat, dan menegangkan yang ditulis oleh harmoniumnya yang seperti gereja dan biola Cale milik katakombe. Sekarang, itu lebih dari fatalisme: itu adalah kecemasan abadi. Itu adalah ketakutan, suram dan megah, yang mengarah ke kelumpuhan mental yang kekanak-kanakan dan kosmik. Setiap lagu adalah teka-teki, dan penyanyi adalah sphinx.

Tapi dia juga seorang penjelajah, meskipun penjelajah dunia batin. Suara kadaver Nico yang membatu mengembara melalui labirin pikiran yang terbuang, menjelajahi lanskap batin yang terbuat dari mimpi buruk, penglihatan, dan bayangan tanpa nama untuk mendapatkan makna tertinggi. Atau, lebih baik, Nico tinggal di planet lain, dan adalah Homer yang menyanyikan tentang kiamat planet Bumi, seperti yang dilihat dari atas.